１８世紀末、頂点を極めたマイセン窯も、時代と共にその姿を変化させて行く。それでも、新しい表現を求め、時代を映す鏡で在り続けたマイセン窯は、ヨーロッパにおいて磁器が「芸術メディア（素材）」の一つとして捉えられてきた事を示している。

 

最後に現在のマイセン窯の事について、触れていたが、なんと、原料であるカリオンの掘り出しはたった二人の男性によってされているそうだ。まさに、材料から手作りかい？と突っ込みたくなりました。

 

極めつけの裏話は、浮気現場をそのまま映したような人形が展示されているのですが、何と、浮気相手の若者の人形が開梱した時に行方不明だったのだそうです。ご亭主と同じ箱に入れて気まずい思いで旅をするのは気の毒とでも梱包担当者が思ったんですかね？別の箱から出てきたそうです。なんだかおかしくなってしまいました。

 

マイセン磁器の３００年展、本当に楽しい展示です。親子でもカップルでも気楽に楽しめると思います。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

講演は、まず、「パステル」という画材の説明から始まりました。

パステルは顔料に粘土やアラビアゴムなどを混ぜて押し固めたもので、１５世紀ごろから使われているそうです。最初はデッサンに軽く色付けするくらいだったのが、やがて、下絵やスケッチなどに使われるようになり、デッサンと油絵の中間的な位置を占めていきます。１８世紀にパステル画は洗練され多くの作品が描かれています。美しい発色と即興的な制作が可能で、特に肖像画の分野で優れた作品が残されています。（例として、カンタン・ド・ラ・トゥールのポンパドール夫人の肖像やジャン・シメオン・シャルダンの自画像など）しかし、フランス革命後、肖像画需要が減ってパステルは上流階級のご婦人の趣味用画材となってしまっていったそうだ。ドガはそのパステルを自身の表現の中心手段としていきました。１８７６～８１年に制作した作品の実に３分の２はパステルによるもので、生涯に７００点もパステル画を制作しているそうです。そして１８９０年からドガは油彩画を１点も制作していないとか。

 

新古典主義的な厳格さや物語性を求める堅苦しさに飽きてきた画家たちはもっと即興的・偶発的表現を求めるようになってきていました。おりしもナポレオン３世の皇后ウージェニーのルイ１６世様式への愛着が１８世紀懐古趣味を生んでいたそうです。パステルという画材が再び注目されたという背景があるとのことでした。

 

話しはドガがどんな環境で画家を目指したかという点に移りました。

エドガー・ドガは本名イレール・ジェルマン・エドガー・ド・ガ（Hilaire Germain Edgar de Gas）。ドガの祖父はフランス革命後イタリアに渡り銀行家と成功していました。ドガの父親は祖父の銀行のパリ支店を開く為にパリに来て、ドガが生まれます。ドガ家は大富豪というわけではありませんでしたが、裕福なブルジョワ家庭であったことは確かです。彼は１８５５年エコール・ド・ボザールに入学しますが、数か月で通うのをやめて、父親にお金を出してもらって、フランス各地を旅行してまわり、帰ってきてからはルーブルで模写に精を出す生活。そして５６年から５９年まで三年間イタリアに滞在し、帰国後も、実家がある建物の上階にアトリエを設えてもらっています。ドガの父親は、息子の芸術活動に対して惜しみなく金銭的援助をしただけでなく、父親自身が芸術愛好家だった為、ドガが心置きなく芸術的模索ができるようにアドバイスもしたし、人脈も作ってくれたというのです。本当にドガって恵まれすぎるほどの環境にいたわけです。誰に媚びる必要もなく、純粋に自らの世界を模索できるわけですから・・・・。

 

ところが父親が負債を隠して亡くなり、ドガのこの快適な生活は一変します。１８７６年ごろにはドガは生活の為に絵を描かなければならい状況に陥ります。その時、ドガはパステル画という手段を選択します。色が美しく、油絵のように時間や手間がかからないパステル画は格好の手段だったのでしょう。それだけでなく、ドガはきちんとアカデミックな教育を受けた人なので、絵を制作する事＝画布の選択、下地調整、絵具の調整、仕上げ等に対する厳格な姿勢を叩き込まれているわけです。産業革命や工業化によって、絵の世界も合成顔料などが登場し、絵具も自分で調整するのではなく製品として売られるようになっていました。その事に、ドガは不審と反発を感じていたようです。パステルはその製法が単純な為、信頼が置けると考えたようですし、ドガ自身が画材のテストなどをしてその堅牢度や耐久性を確かめたそうですから、なんだかルネッサンス期の画家見たいな面がある人だったのですね。とても真面目で自分の芸術に対する深い探求心を持っている！

同時代人がドガについて、どのように評していたか、また、ドガ自身が自分の絵についてどう考えているのかを書いたものを引用して、ドガの制作に対する考えなどが図版を交えて解説されていきました。

 

ドガは印象派展８回のうち、７回に作品を出品しているが、戸外で作品を書く事はしていない。競馬を描いた作品はあるものの、ほとんどが室内のもの。そして、踊り子の絵を描くにしても、見たままを描いたように見せかけながら、実際は入念にスケッチを重ね、モチーフを練り上げ、画面の構築をしている。それは伝統的な絵画制作の方法だったけれど、

題材の取り方、画面構成は非常に自由で、古典的な画題や画材の階級づけに囚われていない点が非常に先進的だったわけです。古典的な確かな技術に支えられた静かなる革新ですね。

 

お話を聞いて、ドガの絵が持っている、独特の突き離し感が納得できました。絵画史のみならず、１８世紀～１９世紀位の政治や経済などに興味を持って見るようになって、より印象派絵画の流れも理解できるようになってきたように思います。

 

講演後の質問コーナーで、若い学生さんが学芸員を目指しているが、どんな勉強をしたらいいかと質問しました。ソニエ氏は絵画史やっても食べられないよっとシビアなアドバイスの後、絵画だけでなくその時代の事を良く学び、その当時の人達がどのように見ていたのかをきちんと知ることだとおっしゃっていました。作品はあくまでもその時代に生まれるものですから、時代と切り離す事は難しいという事でしょうね。

他に２・３の質問も出ましたが、原稿がない質問については、通訳者さんが質問者の意図をうまく汲んで訳してくれないと、頓珍漢な答えが返ってくるんだという事がはっきりわかりました。通訳を介する質問の場合は、通訳者さんにまず自分の質問の意図がわかるように質問しなきゃいけないんだな・・・と感じました。

 

それにしても、ソニエ氏はハンサムで、声もよく、とても文学的な表現をされながらのお話で、目の保養と学ぶ楽しみのグリコ状態で楽しかったです～。

 

 

まず、司会担当者から、荒屋鋪透氏の略歴紹介が行われ、次いで荒屋鋪氏の登壇となる。

ロマンスグレー（もう死語かもしれないが）の上品な感じの方です。

 

まずは講演の概要を示してから、お話が始まります。レジュメの配布などがあればいいのですが、今回は無かったので、まずどんな枠組みでお話をするのか先に示してもらえたのは聞く方としてはありがたいですね。講演はクロード・モネとアメデオ・モディリアーニを中心に作品を見ながら、近代絵画における「名画とはなにか」を探るというもの。

 

まず、ロンドンのナショナル・ギャラリーの展示状況の変化についてから話が始まりました。いわゆる１８世紀以前の画家（オールドマスター）による作品から、１９世紀以降、特に印象派の作品が大きな位置を占めるようになっているのだそうです。

今でこそ西洋絵画史の中心的流れに位置付けられている「印象派」ですが、そもそもの命名が、官展（サロン・ド・パリ）に拒否されたり、酷い扱いを受けた画家たちが１８７４年に自主展覧会を開いたときにクロード・モネが出品した「印象・日の出」にちなんでつけられたもの。実際、当時の画壇はアカデミズム絵画が主流であり、自主展覧会に出品された作品は、けちょんけちょんに批判されたのだとか。でも、モネはもやもやした画面を批判されたことに発奮して、次のテーマを、当時普及し始めた鉄道の駅「サン・ラザール駅」とすることにしたそうです。当時は蒸気機関車ですから、駅はその湯気やら煙でもやもやしていて当たり前。面白かったのは、モネが駅長さんに交渉に行った時のエピソード。

モネは一張羅を着込み、銀細工の柄がついたステッキを持って駅長に会いにいった。そして、他の駅とサン・ラザール駅のどちらを描くか検討した結果、サン・ラザール駅に決定したと交渉。つまりはわざと偉そうに振る舞って、まんまと駅長に駅構内で絵を描く許可を取り付けたって事ですね。フランスっぽい感じがして面白いエピソードです。

印象派展は８回開かれましたが、作品の直売をしたり、印象派に好意的な批評家に雑誌などに評論を書いてもらったりと、今でいうプロモーションをやっていたと言うのが興味深かったですね。今では当たり前の手法ですが、当時は目新しかったでしょう。

「失われた時を求めて」の作者プルーストがモネの画業を高く評価していた事や、ラベルの弦楽四重奏曲などが紹介され、絵画だけでなく音楽などとのかかわりが紹介されました。

 

次いで、モディリアーニの作品について進んだのですが、ここでは、ジェラール・フィリップとアヌーク・エーメがモディリア－ニとその妻を演じた映画「モンパルナスの灯」の一部が紹介されました。（ジェラール・フィリップファンとしては思いがけずお姿が拝めてうれしかった～。それにしても、アヌーク・エーメって本当に美しいわ～。ジェラールも美男だけど、彼女の隣に置くと物足らなく見えてしまうなんて！！）なんと、この映画の彼らの演技指導にレオナール・藤田が協力していたそうです。ジャン・コクトーが写したピカソとモディリアーニが一緒に移った写真なども紹介されて、なんだかびっくりしました。確かにモディリアーニが描いたジャン・コクトーの肖像画があるんですから知り合いだったはずですけど。芸術界と言うのは繋がっているんだなあと改めて感じました。

 

最後はちょっとピカソがセザンヌの事をとても尊敬していて、今回出品されている「裸婦」もセザンヌの作品のオマージュであるとして解説されました。

 

最後のまとめとして近代絵画において「名画」の条件とは何かという点について３点あげられました。ちょっと時間が押していて書きとめられなかったのですが、私の理解では、

「個性の表現の追求がなされているか」ということではないかと思った次第。

確かに、ピカソはピカソでしかないし、モディリアーニはモディリアーニです。ピカソ風とかモディリアーニ風の作品では名画にはなりえないってことでしょう。

 

最後に質疑応答があって、２人の男性が質問されました、荒屋鋪氏はとっても丁寧にお答えになって、結局講演終了は４時近くとなりました。こういう講演会には常連さんがいるのでしょうねえ。質問された方のお一人は、どうも他の講演会でもお声を聞いた事があるような・・・・。まあ、私も「ただ」にひかれて出来るだけ参加しようとしているのですから、お仲間ですねえ。